SIN OTOÑO, SIN PRIMAVERA: costumbrismo pequeñoburgués de alto vuelo

Esta ha sido una de las películas de las que una puede salir del cine contenta de haberse dado con ella una pedrada en la boca. Admito que algunos de nosotros no teníamos muchas expectativas respecto a Sin Otoño, Sin Primavera. Ver a un puñado de muchachos de la clase media guayaquileña –y por extensión, ecuatoriana– bebiendo/drogándose, fornicando, enamorándose y engañando a su pareja, no es asunto nuevo en nuestro país ni en el mundo, por tanto –y ese era mi razonamiento– para qué gastar en una entrada de cine si puedes ver lo mismo en vivo y en directo, y hasta con serias posibilidades de tomar parte en la trama.

Y es que uno de los temas más explotados tanto en el cine como en la literatura ecuatoriana contemporánea es, junto con las historias de marginados, la estampa fidedigna y cotidiana de un día cualquiera en la vida del burgués o pequeñoburgués promedio, la mayor parte de las veces inspirado en el mismo autor y su entorno inmediato. Se producen tantas películas y escriben suficientes libros sobre lo que le pasa o deja de pasar a cualquier hijo de vecino en Ecuador que lo menos que se puede esperar es un poco de originalidad a la hora de trabajar para dar forma a la temática ultra recurrente de la versión criolla de la trilogía sexo, drogas/alcohol y rock n’roll. Y Sin Otoño, Sin Primavera lo logra, y con creces. En este trabajo cinematográfico la edición lo es todo. Sin ese tratamiento tan meticulosamente anárquico, que concilia la tradición noventera a lo Pulp Fiction con la firma inconfundible de una película independiente, habría sido imposible recrear por enésima vez lo que ya se ha visto hasta el hartazgo con tanta sofisticación y –me atreveré a utilizar esta palabra tan asquerosa y corporativamente prostituida– profesionalismo. La película se desarrolla con soltura y estilo. La película se vende, sin necesidad de que su director, Iván Mora, haya tenido que sacrificar libertad creativa ni restado un ápice a la calidad de su trabajo y el de su equipo. Cierra el círculo el impecable performance de sus actores y una ecléctica musicalización, en la que se combinan bandas nacionales como Niñosaurios, Los Brigante o Pasajero, con tonadas ya conocidas de este y el otro lado del charco, con Ilegales de España a la cabeza. Todo esto, integrado a una provocadora campaña de marketing y publicidad, suman los ingredientes que auguran el éxito a la que considero la mejor película ecuatoriana realizada hasta el momento, en donde, de existir algún tipo de diletantismo y espíritu de aficionado implícito en ella, se ha visto bastante disimulado –y hasta me atrevería a decir que anulado– por el gran compromiso que el genio individual y el trabajo en equipo pueden dar de sí cuando la creatividad y el talento se proponen reemplazar al oficio.

El trailer no le hace justicia, una razón más para verla.

Ficha técnica:
Título Original: Sin otoño, sin primavera
País: Ecuador
Año de estreno: 2012
Dirección: Iván Mora Manzano
Guión: Iván Mora Manzano
Protagonistas: Enzo Macchiavello, Andrés Troya Holst, Paola Baldión, Alejandro Fajardo, Lucía Moscoso, Andrea Espinoza, Paulina Obrist, Nathalie Vergara, Andrés Crespo, Ángela Peñaherrera.
Ficha técnica cortesía de IMDB.com

Depeche Mode o mi pacto unilateral contra la promiscuidad musical

Strangelove...

Con Depeche Mode y la música me sucede igual que con el amor. Alguna vez tuve la suerte de conocer a alguien tan, pero tan extraordinario que, después de él, ninguno pareció dar la talla. Hubo otros, a mi despecho no muchos, que a pesar de sus cualidades, nunca pudieron superar el examen comparativo con el personaje en cuestión. Lo mismo me pasa con DM; toda vez que descubro otra banda, debo forzosamente contrastarla con ellos, y no se puede, los estándares son demasiado altos como para pasar la prueba. Salvo las otras dos bandas que se ubican en mi Olimpo musical particular –The Cure y Tool–, ningún músico moderno se ha salvado de esta odiosa comparación.

La agrupación original (1980-1981) : Martin Gore,

Andrew Fletcher, Dave Gahan y Vince Clarke (Erasure)

Deduzco entonces que DM se ha convertido en una especie de seguro contra la melomanía, uno no muy grato, por cierto. A veces me lamento por haberlos conocido tan joven, y con ello haberme negado al placer de apreciar a otras bandas como se merecen. Lo admito, muchas, muchísimas son excelentes, me atrevería a decir que quizás más virtuosas pero –al igual que en el amor– mi pasión por ellas, pese a ser muy intensa y en ocasiones rayana en la obsesión, se esfuma pronto, mucho más de lo que desearía. Al final, siempre regreso a ellos. El amor verdadero existe, el mío –dejando a un lado a quien de ahora en adelante denominaremos el Señor X– se llama Depeche Mode.

A la salida de Vince Clarke en 1981, lo reemplaza Alan Wilder hasta 1995 (derecha)

Recuerdo con claridad la noche en que los conocí. No me pregunten por qué, pero estaba embarcada en el automóvil de mis primos –mucho mayores que yo– rumbo a un barrio de clase alta al que jamás he vuelto. Un portón ancho de metal nos abrió camino a una urbanización repleta de casas lujosas, edificadas sobre colinas, artificiales quizás. Mis primos debían encontrarse con sus amigos, que demoraban en salir; para amenizar la espera y no aburrir a sus pequeñas acompañantes –mi hermana, otra prima y yo– mi primo decidió que escucharíamos lo que, casi quince años después, adquirí a manera de CD original como los Singles 81-85 de la banda. Mágicamente, la casetera sonó al inicio de la más hermosa canción jamás escrita, musicalizada e interpretada; una especie de gemidos armónicos, sostenidos, daban paso a una clase diferente de sonido, que yo llamé robótico, pero que más adelante supe que debía llamársele, con corrección y respeto, electrónico. Una masculina y profunda voz, bien educada, sofisticada y sensual,  acabó sellando mi pacto de por vida con Depeche Mode. A ésta le sucedieron en orden otras, no menos bellas, no menos poderosas, nunca menos virtuosas. Atrás quedaron los días de Flans, Mecano y Hombres G. Había tomado la píldora roja; desde entonces, nada volvería a ser igual para mí. Tenía siete años.

Shake the Disease (1985) : La píldora roja

Resulta curioso que un acontecimiento aparentemente trivial se convierta en el que decida tu destino y forma de ver el mundo. Pasé de ser la potencial consumidora de productos para las masas, a escuchar Music for the Masses a una edad en la que las niñas debían preocuparse por aprender a bailar la coreografía de Me enamorado de un fan. No puedo mentir ni negarles que en todo este tiempo resbalé. Pero les aseguro que, de Joe de los New Kids son the Block, sólo me gustaba su físico ¡ja!; con Depeche Mode se trataba de algo más profundo, algo que sobrepasaba la barrera de lo estético. Es la admiración por la búsqueda de la perfección lo que me ha motivado siempre ha volver a ellos. La sofisticación, ese exquisito equilibrio rara vez visto en el arte contemporáneo, quizás en casos como el de Kubrick o Borges, en donde la popularidad va de la mano con la excelencia. Siempre me ha fascinado el hecho de que DM fuera un grupo tan comercial y  fiel a sí mismo al mismo tiempo, que no haya tenido la necesidad de recluirse en ninguna clase de círculo underground para ser considerada una banda de culto, devoción y adoración para sus admiradores. Si al Señor X –fanático a muerte de Tool– le sorprendía que alguien pudiera considerar a Depeche Mode como su banda favorita, a mí siempre me llamó la atención que esto no fuera así para un gran porcentaje de la humanidad.

DM en la actualidad: Martin Gore, Dave Gahan, Andy Fletcher

Han pasado veinticinco años desde el flechazo, he caminado junto a ellos en todas sus producciones discográficas y he sido testigo de su evolución: new wave, pop electrónico ochenteno, coqueteos con cuerdas y distorsiones grunge, hasta su regreso a las raíces revestido de madurez. Me importa poco esperar cuatro años para el lanzamiento de cada nuevo álbum. Estoy totalmente segura de que nunca me decepcionarán. A veces veo con sana envidia como mis amigos melómanos se entusiasman cada vez y cuando con bandas novedosas, sonidos eclécticos, colecciones enteras de música que quizás no les alcance la vida para escuchar. Créanme que lo he intentado. He procurado ilusionarme con uno y otro grupo musical que escucho por ahí y por allá, para ver si de una vez logro exorcizarme del pasado, pero algo falta. No puedo encontrar en ellos una suerte de alma que pueda vibrar con la mía como sucedió con Depeche Mode, allá por 1987. Me es imposible recrear la sensación, menos aún superarla. Lo mismo me pasa con este bendito asunto con el Señor X. Para estas alturas me he resignado a vivir con este tipo de limitaciones. La promiscuidad musical no es lo mío, como no lo es la promiscuidad en el amor. Lo mío es la idealización; si en algo he de destacarme, es en erigir pedestales, pero uno sólo para cada dios.

Uno de los mejores temas de la banda. Del álbum Ultra (1996-1997)

Apología de Xavier Dolan o “si quieres que las cosas salgan bien, hazlas tú mismo”

El Destino de un hombre es su carácter. 

Heráclito

Supongo que habrán reparado ya en la profunda admiración que siento por este joven cineasta canadiense y su soberbio pulso para salirse con la suya. Claro, no todo para él ha sido un prado de lavanda silvestre, y es que el carácter se forja con el sufrimiento. Y qué más angustia espiritual que la que implica el trabajo de un director de cine; es que no en vano, esta actividad se ha considerado como una de las profesiones con mayor nivel de dificultad en el mundo (si no me creen, consulten la biografía de George Lucas). De ahí que el hecho llevarla a cierto grado de maestría resulte especialmente raro y por tanto, digno de admiración. Podría decir, sin temor a equivocarme –y la falta de este sentimiento es bastante anormal en mi persona– que Xavier Dolan está muy bien encaminado. Y no es su fortaleza de carácter la que elogio (muchos de los grandes personajes de la historia deben su celebridad en gran medida a su recio temperamento), sino la extraña mezcla en proporciones exactas que hace que un director de cine posea, a la par de un gran talento artístico, el don del liderazgo, rasgo poco común en el ethos del artista, definido la mayor parte de las veces por un marcado individualismo.

Alejado por sus padres del hogar y el cine –en donde se desempeñó por años como niño actor– para ser ingresado en un internado en el campo, retornó con la firme idea de realizar la que sería su ópera prima Yo maté a mi madre , en la que descarga su furia contra la mujer por la que “mataría a todo aquel que le hiciera daño” pero que sin embargo “quiere a numerosas personas mucho más que a ella”. Este trabajo semi-autobiográfico le valió reconocimientos en Cannes y una ovación de pie por nueve minutos. Financiada –como lo expresan sus propias palabras– con el dinero y paciencia de sus amigos, Dolan asombra por su capacidad de gestionar desde los fondos monetarios para efectuar su visión del mundo a través del celuloide, hasta el guardarropa de los actores, del que se encargó en Los Amores Imaginarios, su segundo trabajo como director, guionista,  productor, jefe de vestuario y actor protagonista (¡!); en éste, Xavier Dolan explora las relaciones de amistad y el amor no correspondido con una carga de humor y sensibilidad sutilmente tasadas, y luego de haber triunfado en el Festival de Sidney edición 2010, duplicó su recaudación en taquilla y lo convirtió en un cineasta de culto entre el escaso público joven que todavía se resiste a considerar a todo hipster como la undécima plaga de Egipto.

Para los que odian a Xavier Dolan, les regalo este bonus:

el asesinato de su personaje en la película Martyrs

Precoz, sensible y abiertamente homosexual, Xavier Dolan se ha ganado ad honorem un lugar en la mira del cine contemporáneo de vanguardia. Que haya escrito su primera película a los 16 años y sea laureado en Cannes a los 19 por su dirección e interpretación, resulta por demás sorprendente; que ruede a razón de una película por año, fungiendo como escritor, productor, director y actor de la mayoría de sus trabajos, y sea comparado con los grandes de la cinematografía mundial con tan sólo 23 años, es realmente extraordinario.

Backstage de una sesión bizarre de fotos para la revista Vogue

Inauguración del VIU 2012, o el Encuentro en donde no me encontré con nadie

Acabo de llegar a casa luego de haber asistido a la inauguración de la exposición de Artes Visuales y Literarias VIU 2012, URBEGRAFÍAS, II ENCUENTRO DE CREADORES VISIONES URBANAS, realizado la noche de hoy, 27 de junio de 2012 en la ciudad de Quito, Ecuador. Al aproximarme desde la Ulpiano Páez hasta la Jorge Washington caminando, luego de que el taxi me dejara un tanto lejos –creo que le pedí que se detuviera ahí para acercarme a pie y así parecer interesante, cosa que nunca logré– lo primero que llamó mi atención fue un pequeño cartel de neón que invitaba al paseante a acercarse con insinuante enunciación: ABIERTO; letrero que atrae por demás debido al contraste que genera su colocación en la puerta de la casona patrimonial que conforma el Centro Cultural Benjamín Carrión, en donde se realizó la apertura, y del que luego me enteré que se trataba de una propuesta artística de… (no les diré de quién, eso deberán averiguarlo ustedes), razones todas por las que se ganó el primer lugar entre mis preferidos del Encuentro. 


Junto al rótulo, un DJ de rastas multicolores y su ayudante –o viceversa–, a quienes tomé por artesanos en pleno ejercicio de su profesión, preparaban lo que quizás fue una especie de número musical electrónico anexo al evento en cuestión –no me quedé lo suficiente como para corroborarlo– con esas mezcladoras de sonido a las que gracias a la oscuridad y la miopía había confundido previamente con anillos y pulseras. Un tanto apenada por mi desorientación, y sin hacérselo notar –al DJ, que dicho sea de paso fue el único que me ha saludado en ese Encuentro, y ni lo conozco–, ingresé al interior del Centro Cultural, que para entonces estaba lo suficientemente copado como para dejarme, junto con algunos espectadores más, de pie intentando escuchar sin éxito –debido a una falla en el micrófono– la disertación de los organizadores.

La gente, la de siempre: artistas, aspirantes a artistas, escritores, escribidores, curiosos, figurettis, hipsters y hippies, señoras mayores de alta cultura, señores mayores a la caza –infructuosa– de chicas solitarias (como yo), señoras que han sabido ser escritoras, señores que la misma cosa, actores, actoras, bailarines y bailarinas, gringos y gringas, intelectuales, chullitas quiteños contemporáneos, fotógrafos y demás personajes de la ciudad pequeño y mediano burguesa, mujeres que quieren con artistas, escritores –o en el peor de los casos, intelectuales–, en fin; una fauna a la que de ahora en adelante denominaré Ratas de Exposición, Ratas de Lanzamiento, o su respectivo acrónimo, RERL’s; todo esto sin ofender, por supuesto, ya que debo incluirme dentro de esta sub-subespecie de habitantes de la quiteñidad posmoderna, y a quienes más adelante dedicaré un artículo completo, si es que la vida me puede llegar a alcanzar para ello.

Y ya no me acuerdo en qué estaba… ah… la exposición. Luego de minutos que parecieron eternizarse por fallas de sonido, al fin culminó la serie de discursos de los artistas participantes, una lástima dado que me habría gustado poder escuchar declamaciones de los poetas y escritores que expusieron su trabajo literario, cosa que nunca sucedió, y por tanto restó protagonismo a los textos que permanecieron colgados en la pared esperando sedientos a que algún RERL con respeto suficiente hacia el artista se dignara en leerlos. Debo decir con tristeza que muchos de ellos prefirieron conversar con el prójimo en lugar de detenerse a desmadejar lecturas. Y yo, que no encontré a ningún conocido, ni me amigué con ajenos, confieso que sólo leí la mitad.

La exposición en sí misma no puede calificarse como espectacular. Me sorprendió averiguar en el catálogo de obras entregado durante la velada, que habían sido veinticuatro los relatos y trabajos de artes visuales expuestos; parecían ser menos, o quizás aparecían dispersos entre la multitud que acudió a observarlos. Será preciso echarles una segunda ojeada –junto con los textos– cuando la afluencia de personas sea menor y permita admirar las obras con detenimiento. Al no ser crítica de arte, siento en lo más profundo no poder deleitarles con frases amaneradas y alcalinos espacios navegados por monos capuchinos, pero considero que la mejor forma de vivenciar el imaginario artístico es a través de la experiencia de primera mano, y no pienso mermar en mis lectores la satisfacción de degustar/visualizar por sí mismos los trabajos expuestos en este Encuentro. Si quieren saber de qué va el VIU 2012, vayan a verlo, ya saben dónde está.


PD. Pero, sobre todo, y esto es muy importante, lean los textos literarios que acompañan a las propuestas de artes plásticas. Se me olvidó decir por favor.

Imagen: http://www.ccbenjamincarrion.com/ccbenjam.php?c=1359